Parece
que fue ayer, pero hoy la película MATRIX cumple la mayoría de
edad. Hace 18 años veía la luz un proyecto que los hermanos
Wachowski gestaron para lanzarlo al mundo creando toda una
revolución.
"Matrix"
fue un impacto cinematográfico, una genialidad llevada al cine
responsable de muchas innovaciones que poca gente conoce. Fenómenos
como el bullet time (tiempo bala) que le valió el Oscar a Mejores
Efectos Visuales a John Gaeta o la imagen posmodernista, tanto en vestuario como en decorados, fueron todo un acierto.
En
la película, que es un icono y fue la abanderada perfecta para el
cine del siglo XXI, Thomas Anderson, con el alias de salteador Neo,
descubre, gracias a Morfe, un buscado terrorista, que vive en un
mundo ilusorio creado por ordenador.
Tiene
innumerables referencias filosóficas, religiosas e ideológicas,
cada detalle esta basado en una simbología, cada giro tiene una
motivación, en la película nada es gratuito, todo es indispensable.
Es
una cinta que tiene la virtud de ser amada hasta el tuétano u
odiada profundamente, lo que si es totalmente cierto es que no deja
a nadie indiferente.
Particularmente
la adoro, en su forma, fondo, significado y más allá, rompí una
cinta de VHS de tantas veces como la vi, hoy día conozco casi todas
las versiones, he leído casi todos los libros que se editaron en
castellano y no hay espacio suficiente en internet para hablar de
ella, aunque muchas veces me pregunto, ¿será real?
“Cuando
yo era chico me encantaban los circos y lo que mas me gustaba de los
circos eran los animales. También a mí, como a otros, después me
enteré que me llamaba la atención el elefante.
Durante
la función la enorme bestia hacia despliegue de su peso tamaño y
fuerza descomunal...pero después de su actuación y hasta un rato
antes de volver al escenario el elefante quedaba sujeto solamente por
una cadena que aprisionaba una de sus patas a una pequeña estaca
clavada en el suelo. Sin
embargo, la estaca era solo un minúsculo pedazo de madera apenas
enterrado unos centímetros en la tierra. Y aunque la cadena era
gruesa y poderosa me parecía obvio que ese animal capaz de arrancar
un árbol de cuajo con su propia fuerza, podría con facilidad
arrancar la estaca y huir. El
misterio es evidente: ¿Qué lo mantiene entonces? ¿Por qué no
huye? Cuando
tenía cinco o seis años yo todavía confiaba en la sabiduría de
los grandes. Pregunté entonces a algún maestro, a algún padre o a
algún tío por el misterio del elefante. Alguno de ellos me explicó
que el elefante no se escapaba porque estaba amaestrado. Hice
entonces la pregunta obvia : Si está amaestrado ¿Por qué lo
encadenan? No recuerdo haber recibido ninguna respuesta coherente. Con
el tiempo me olvidé del misterio del elefante y la estaca...y sólo
lo recordaba cuando me encontraba con otros que también se habían
hecho la misma pregunta. Hace
algunos años descubrí que por suerte para mí alguien había sido
lo bastante sabio como para encontrar la respuesta : EL ELEFANTE DEL
CIRCO NO ESCAPA PORQUE HA ESTADO ATADO A UNA ESTACA PARECIDA DESDE
QUE ERA MUY, MUY PEQUEÑO. Cerré
los ojos y me imaginé al pequeño recién nacido sujeto a la
estaca. Estoy seguro de que en aquel momento el elefantito empujó,
tiró y sudó tratando de soltarse. Y a pesar de todo su esfuerzo no
pudo. La estaca era ciertamente muy fuerte para él. Juraría que se
durmió agotado y que al día siguiente volvió a probar y también
al otro y al que le seguía....Hasta que un día, un terrible día
para su historia, el animal aceptó su impotencia y se resignó a su
destino. Este elefante enorme y poderoso, que vemos en el circo, no
escapa porque cree - pobre - que NO PUEDE. El
tiene el registro y recuerdo de su impotencia, de aquella impotencia
que sintió poco después de nacer. Y lo peor es que jamás se ha
vuelto a cuestionar seriamente ese registro. Jamás...jamás....intentó
poner a prueba su fuerza otra vez. Vivimos
creyendo que un montón de cosas "no podemos" simplemente
porque alguna vez, antes, cuando éramos chiquitos, alguna vez
probamos y no pudimos. Hicimos entonces, lo del elefante : grabamos
en nuestro recuerdo: NO PUEDO....NO PUEDO Y NUNCA PODRE. Hemos
crecido portando ese mensaje que nos impusimos a nosotros mismos y
nunca más lo volvimos a intentar. Cuando
mucho, de vez en cuando sentimos los grilletes, hacemos sonar las
cadenas o miramos de reojo la estaca y confirmamos el estigma : "
NO PUEDO Y NUNCA PODRE " Vivimos condicionados por el recuerdo
de otros, que ya no somos y no pudieron. Tu
única manera de saber, es intentar de nuevo poniendo en el intento
todo tu corazón.....TODO TU CORAZON". Jorge Bucay. "EL ELEFANTE ENCADENADO", Cuentos para pensar, 1997.
Tal
día como hoy, hace 17 años (30 de marzo del año 2000), se
estrenaba en España 'La Princesa Mononoke'. La primera vez que
muchos tuvieron oportunidad de conocer el trabajo de Hayao Miyazaki y
Studio Ghibli.
La película cuenta la historia de una chica criada por lobos, de un príncipe maldito que deja su poblado en busca de su sanación, todo rodeando de una naturaleza conectada con el hombre.
Su banda sonora está compuesta por Joe Hisaishi, compositor habitual de las películas de Hayao Miyazaki, aquí podéis escuchar el tema principal.
Esta película es un canto a la naturaleza, imprescindible para cualquier amante del cine japonés o aficionado a la animación.
Nos
permitimos el lujo de juzgarlo todo y últimamente el objetivo de
estos juicios es toda la izquierda política. Viva la demagogia, la
datos constatados y la altura de miras. Una visión muy constructiva.
Esperemos que algún día nos llegue la madurez democrática, aunque
sea difícil, no perdamos la esperanza.
Abramos
los ojos, somos oprimidos, no nos convirtamos en opresores,
haciéndole el juego a los poderosos.
Afortunadamente
esto ya no tiene marcha atrás, es el fin de las instituciones
anacrónicas, de las siglas que no de las ideologías, es el momento
del hombre nuevo, aquel que ya se atisbaba antaño, que busca la
igualdad.
Puede
rayar la utopía, lo sé, pero hay que negarse a seguir participando
de un juego nada igualitario.
Hay
que abrir nuevas posibilidades, aunque estemos acostumbrados a que
nos lo den todo hecho. Hay que construir un camino no andado,
escuchando todo y a todos.
Y
está la educación democrática también, el voto del miedo, las
estructuras rígidas, de las personas de todas las edades, que temen
el cambio.
Tenemos
una sola vida (y ya me voy a poner existencialista) y antes que
llegue la falta de posibilidades, hay que escudriñar todos los
recovecos, que nos permita nuestra mente y nuestras emociones, para
mantenernos en la postura más adecuada y auténtica, alejándonos de
mezquindades y patetismos, lejos de prejuicios y determinismos.
Ya
nos podemos permitir el lujo de ser meros observadores, de
sobrevolar, o de perdernos en la bulla, si queremos, para no
"emborracharnos" de pasiones ni quedarnos atrapados en
trampas viejunas, donde los tantos por ciento y las corrientes que
arrastran, ya, preocupan poco.
Avanzar
es la única opción ideológicamente posible, porque los ciudadanos
que no estamos sujetos a disciplinas inventadas somos libres e
iguales y esa es nuestra mayor fortaleza.
Ríos
de tinta han corrido, corren y correrán por esta película. He
escuchado hablar de ella en los últimos meses opiniones de todos los
colores, la he visto, a día de hoy, cinco veces, he asistido a
charlas y coloquios sobre ella y no paro de tararear su música.
Alguien me lo puede explicar?
Lo
cierto es que desde que empecé a oír hablar de ella he leído tanto
de musicales, de remakes y de la belleza en el cine, que hoy me
siento delante del ordenador para escribir esto sin la intención de
convencer a nadie y sin pretensión alguna, solo porque la película
de Chazelle me ha cautivado el corazón.
Hay
muchas formas de innovar, hay genialidades en todas los ámbitos
artísticos, las artes escénicas se renuevan, cada vez es más
difícil dar en la tecla de Aladino y parece que está todo
inventado, pero llega, muy despacito y casi sin notarse, un chico que
nace en Rhode Island, hace 32 años, graduado en estudios Visuales y
Ambientales por la Universidad de Harvard y hace esto, dejando al
espectador con cara de, "qué ha pasado aquí".
No
voy a hacer un tratado sobre la película, ni mucho menos, pero sí
que voy a dejar varias reseñas sobre lo visto y oído.
Todo
tiene su lugar en la película, hay un sitio para cada referencia y
una simbología para cada detalle, bebe de los clásicos y hace cine
como si lo estuviera inventando a sabiendas de que ya existe. Es
difícil reinventar lo existente, pero Chazelle lo hace.
Desde
la primera vez que la vi empecé a leer sobre musicales y descubrí
que no estaba todo inventado y que hay otras visiones, tantas como
personas y sobre todo personas que realizan un estudio profundo sobre
cine y sus alrededores, hay gran talento y mucho por descubrir. Me
quedo con este apunte:
"Musicales,
un poco de contesto.
¿Chazelle
bebe en los clásicos?: claro. ¿Copia?: en absoluto. Chazelle es muy
consciente de que Emma y Ryan cantan muy regular y bailan lo justo,
pero eso mismo, hace más maravillosa su historia en estos tiempos
nuestros, en que nos creemos superiores y no somos sino patéticos
enanos a hombros de gigantes. Gigantes como Ginger y Fred, como Gene,
Cyd y Rita, como Sandrich, Minnelli y Donen. Como un francés
visionario llamado Jacques Demy."
Alberto
Fijo.
Profesor
universitario de Narrativa Audiovisual. Escritor.
La
belleza eclipsa, siempre lo que pensado, pero cuando lees sobre ella
y eres consciente de su forma y su fondo, de cómo llegar a ella
aunque no seas capaz de crearla, todo cambia.
Así
que me quedo con los pensamientos de este ensayista francés que
tanto tiene que ver la la película, aunque o lo parezca.
"Solo
buscando las palabras se encuentran los pensamientos"
"Antes
de emplear una palabra hermosa, hazle un sitio."
"No
puede hallarse poesía en ningún lado cuando no se lleva dentro."
Joseph
Joubert (1754-1824).
Y
finalmente, sin desvelar nada de la película, se puede decir más
con una inclinación de cabeza?. De nuevo Joubert, apasionante.
"Lo
importante en la elocuencia y en las artes, no está en lo que
decimos, sino en lo que dejamos oír; no está en lo que pintamos,
sino en lo que dejamos imaginar."
Vivir el amor intensamente provoca una satisfacción, un bienestar, una plenitud, que se aparta de lo racional, de lo cotidiano.
Se ha idealizado tanto que casi se ha convertido en un estado onírico, intangible, sobrevalorado. Pero ahí está la trampa, hay que vivirlo, si no lo hacemos estamos incompletos, imposibilitados para avanzar, para poder ocupar la próxima casilla, la que nos va a dirigir hacia un lugar que nosotros mismos tenemos que construir, día a día, con nuestras acciones, con nuestros éxitos y fracasos, sin olvidar que debemos vivir de la forma más verdadera posible, respetando lo que somos y a los que nos han impulsado hasta aquí.
El amor no tiene límites aunque tampoco tiene que limitar. El amor no entiende de reglas, aunque nos empeñamos en hacerlo cautivo de ella.
Así lo siento y así lo comunico, porque la verdad no es triste ni amarga, no es cruda ni castigadora, simplemente no tiene remedio. Solo le pido a la vida que con el tiempo pueda reconocerme sin ruborizarme, vivir de la forma más auténtica posible, porque en cada gesto, en cada lugar, hay una razón escondida y no quiero que me pille por sorpresa.
Os regalo estas palabras porque no me disfrazo para ir por la vida, porque son fruto de una reflexión que considero necesaria para estar aquí, porque intento ir de frente aunque me caiga, me tropiece o me tumben, porque pensar en voz alta, que es lo que estoy haciendo ahora, es tan necesario como respirar, sobre todo cuando lo que nos rodea es asfixiante, aparente y sin sentido.
Nuestro universo somos nosotros mismos, aunque nos provoque vértigo, creo que no debemos olvidarlo jamás.
"El
15 de marzo del año 44 a.C., hace hoy 2.057 años, Julio César fue
asesinado en el Senado, víctima de una conspiración orquestada por
un grupo de senadores opuestos a sus ambiciones políticas. Cayo
Casio, Marco Junio Bruto, Décimo Junio y un grupo de más de sesenta
personas, los llamados Libertadores, materializaron su plan, durante
los idus de marzo, cuando César se hallaba junto a la estatua de
Pompeyo, a quien, paradojas del destino, había derrotado cuatro años
atrás en la batalla de Farsalia, en Grecia. Tilio Cimbro y Servilio
Casca le asestaron los primeros golpes, a los que siguieron varias
puñaladas que acabaron con su vida." Más
información en este
enlace. Fotografía: "La muerte de César" de Vincenzo Camuccini (detalle).
Hoy se
celebra el día del número irracional y una de las constantes
matemáticas más importantes, el número Pi.
Lo que
motiva esta celebración es que, según el calendario estadounidense,
se antepone el mes al día, por tanto hoy es 3-14, como los tres
primeros dígitos del número.
Se
representa con la letra griega
πque
proviene de la inicial de la palabra “perímetro”. Fue utilizada
por primera vez por William Oughtred, Ministro anglicano inglés que
se dedico a las matemáticas y la astronomía, conocido por inventar
la regla de cálculo moderna (1574-1660). Su uso fue propuesto por el
matemático galés William Jones (1675-1749).
Por tanto
hoy es el día perfecto para ver la película “Pi, fe en el caos”,
Darren Aronofsky (1998). El protagonista, Max, es un brillante
matemático que está a punto de dar con el descubrimiento más
importante de su vida: la decodificación del sistema numérico que
rige el aparente caos del mercado bursátil.
"El
castillo ambulante" es una película de animación japonesa del
Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki (2004), basada en la novela
de la escritora británica Diana Wynne Jones de igual título.
La
protagonista es Sophie una joven de 18 años que trabaja en una
sombrerería. Es víctima de una maldición que le hace tener la
apariencia de una mujer de 90 años. De carácter tímido y cerrado,
tendrá que enfrentarse a sí misma para poder romper el maleficio
que se ha desatado sobre ella.
Howl es
el amo y señor del castillo ambulante. Es un mago dotado de un poder
inmensurable del que se cuentan varias leyendas, entre ellas que se
dedica a robar el alma de mujeres jóvenes. De apariencia joven y
enérgica, rechaza la invitación del rey de unirse a la guerra
puesto que vive sus días con despreocupación y sin objetivos.
En la
película se da mucha importancia al hecho de si es legítimo
provocar una guerra por razones de paz. En este aspecto, la película
refleja una de las visiones políticas no sólo de Hayao Miyazaki,
sino del Studio Ghibli, el pacifismo.
La
música, como siempre, de la mano del maestro Joe Hisaishi, una
banda
sonoraespectacular.
Compré
en iTunes este disco el mismo día que salió a la venta y es una auténtica
preciosidad: Aquí os dejo algo que escribí sobre el disco:
El
último disco de Joe Hisaishi tiene como título “Vermeer &
Escher" y surge tras una exposición sobre el pintor de los
Paises Bajos Johannes Vermeer, formando su apellido parte del titulo,
que lo complementa el apellido de otro artísta holandés llamado
Maurits Cornelis Escher . Vermeer es uno de los pintores más
reconocidos del arte barroco mientras que Escher es un artista casi
contemporaneo (murió en 1972).
Comento
todo lo anterior porque creo que es imposible comprender la música
de Hisaishi en este disco sin conocer un poco a estos artistas.
El
disco está compuesto de once temas de los cuales los siete primeros
pertenecen, han sido inspiradas o simplemente están en la cara
Vermeer, que son:
1. Sense of the Light 2. Circus 3. A
View of the River 4. Blue and Eyes 5. Vertical Lateral
Thinking 6. Muse-um
Las cinco restante están o pertenecer
a la cara Escher, que son: 7. Tress 8. Encouter 9.
Phosphorescent sea 10.Metamorphosis 11.Other world
Las
seis primeras canciones están bien diferenciadas de las cinco
últimas, mientras las del lado Vermeer tienen una clara inspiración
barroca, las del lado Escher son muy vanguardistas y
avanzadas.
También creo que existe una clara intencionalidad
en el título de cada una de ellas, incluso yo diría que juego de
palabras, por ejemplo con la número seis juega entre la palabra
museo (Museum) y la expresión reflexionar en (Muse-um), además es a
lo que te inspira su melodía. O por ejemplo el título de la primera
“Sense of the Light” creo que está claramente relacionado con
que el uso y el tratamiento de la luz de Vermeer, una de sus
características más reconocida, y para ver como la melodía se
funde con la luz física hay que escucharla porque no se puede
explicar con palabras.
Ciertamente esta primera parte es
nueva, diferente y diferenciada, no alardea ya que son violines y
piano los que nos dan esta lección de expresión musical sin
paliativos.
En la segunda parte dedicada a Escher noto
claramente la relación entre música y protagonista. Es una música
difícil de clasificar, creo que esta parte no tiene grandes
pretensiones, simplemente quiere expresar, al igual que al artista
que representa, lo que le gusta, dejándose llevar. La música parece
que estuviera medida matemáticamente, sin carecer de sentimiento,
quiere dar una visión lúdica. Lo que si creo firmemente es el
Hisaishi ha hecho un trabajo profundo de conocimiento de este
artista. Hay también una clara relación entre cada título y la
música y una total independencia de cada canción con respecto a la
otra. En esta parte creo que Hisaishi ha querido representar
conceptos a través de la música.
Es
un disco totalmente recomendable. Podría decir muchísimas ideas más
sobre él, su inspiración y fundamento pero eso requeriría
poder hablar con el maestro y eso, de momento, lo tengo complicado.
El
15 de Diciembre de 1675, moría el pintor holandés Johannes Vermeer.
A
pesar de su reducidísima producción, unas 35 pinturas, ha logrado
alzarse como uno de los pintores más interesantes del barroco en
virtud a una pintura que podemos considerar costumbrista y que
destaca por sus composiciones, una técnica depurada y los juegos de
luz.
Joe
Hisaishi, compositor japonés del que hablaré mucho en este blog,
inspirado por este pintor y con motivo de una
exposición
conmemorativa, compuso un álbum musical denominado "Vermeer &
Escher", que se lanzó al mercado del 15 de febrero de 2012.
En
su momento escribí una crítica sobre él, el disco entero es una
gozada, pero sin duda sobresale "Sense
Of The Light".
Este
tema abre el disco haciendo una metáfora maravillosa entre apertura
y amanecer, porque nunca el sonido de un violín fue tan semejante a
un primer rayo de sol.
Pintura: "La joven de la perla", Johannes Vermeer, 1665-1667.
El
Concierto para oboe y cuerdas en re menor fue escrito por Alessandro
Marcello a comienzos del siglo XVIII y se ha convertido en su obra
más famosa.
Johann
Sebastian Bach hizo famosa la pieza al escribir una transcripción de
la obra en Do menor para oboe con acompañamiento de clave (que se
sustituye por piano en la actualidad).
El
mejor intérprete Glenn Herbert Gould, más conocido con el nombre de
Glenn Gould (Toronto, Canadá, 25 de septiembre de 1932-4 de octubre
de 1982.
Ardilla zorro y robot guardián de
Laputa: El castillo en el cielo. Estos robots, pese a ser una máquina
de destrucción poderosa, se encargaban de proteger la naturaleza y a
los seres vivos de aquel lugar.
El castillo en el cielo es una
película de animación
japonesa realizada en 1986
y dirigida por Hayao
Miyazaki y se considera la
segunda película de Studio
Ghibli.
Laputa es
una isla imaginaria descrita
en el libro Los Viajes de
Gulliver de Jonathan Swift con
la característica de poder volar. Tiene una base de diamante y flota
en el aire por medio de un gigantesco imán. Este dispositivo natural
les permite a sus habitantes dirigirla en cualquier dirección sobre
el territorio de Balnibarbi
(único donde los minerales
responden al influjo magnético de la isla) y, de este modo,
dominarlo.
Coloquios de Cine "Personajes & Personas", organizado por FilaSiete.
Una
cita indispensable para conocer las claves del cine actual. En esta
entrada iré actualizando las distintas sesiones de este ciclo que se
celebran en el Salón de Actos de Caja Rural del Sur (C/ Murillo
nº 2, Sevilla), tendrá una duración aproximada de 90 minutos. La
entrada es libre hasta completar aforo.
La
directora de “Personajes & Personas” es Cristina Abad,
master en Narrativa Audiovisual, crítico de cine y subdirectora
de FilaSiete. Le acompañan en el comité organizador, María
Caballero, catedrática de Literatura Hispanoamericana y experta en
Mujer y Cine; Antonio Delgado, psicólogo clínico y forense;
y Juan Pedro Delgado, editor de FilaSiete.
La
primera sesión de este ciclo se celebró el día 3 de febrero, el
tema de este foro fue “La representación de la belleza
en el cine actual. Estrategias audiovisuales para retratar la belleza
humana y del universo”.
Alberto
Fijo, critico de cine, profesor universitario de Narrativa
Audiovisual y director de la revista FilaSiete, fue el encargado de
dirigir esta primera sesión de los Coloquios de Cine "Personajes
& Personas", un encuentro organizado por FilaSiete con la
colaboración de Fundación de Cultura Andaluza, Fundación Estudios
de la Comunicación y Caja Rural del Sur.
La segunda sesión se celebró el 3
de marzo, el tema del encuentro fue :"ON/OFF: conexión y
desconexión personal en el cine de hoy", Cristina Abad, máster
en guión y subdirectora de la revista FilaSiete, y Antonio
Delgado, psicólogo clínico y forense y director del Instituto
Hispalense de Psicología, fueron los encargados de dirigirla.
Según
he leído el cuarteto de cuerda nº 14 en Do sostenido menor Opus 131
de Ludwig van Beethoven fue compuesto hacia 1826 y dura
aproximadamente 40 minutos.
El
Opus 131 consta de siete movimientos:
Adagio
ma non troppo e molto espressivo
Allegro
molto vivace
Allegro
moderato - Adagio
Andante
ma non troppo e molto cantabile- Piu mosso - Adagio,ma non troppo e
semplice - Allegretto
Presto
Adagio
quasi un poco andante
Allegro
El
caso es que se trata de una obra atípica, en muchos aspectos. Uno de
ellos es el número de movimientos, siete en total, y los cuartetos
clásicos siempre constaban de cuatro. Si bien hay diversas opiniones
especializadas discrepantes al respecto, hay que decir que Beethoven
así lo especificó.
Otra
característica de este Cuarteto es que debe ser tocado enlazando
todos los movimientos entre sí, dando lugar a consecuencias
inevitables propias del instrumento, ya que al tocar sin pausa y sin
descanso no se puede afinar. Así los instrumentos acabaran
desafinándose de una forma distinta.
Quizás
Beethoven quiso expresar, al proponer estas especificaciones, alguna
unión entre las situaciones aleatorias en las que nos vemos
envueltos en la vida?
Hubiera
sido fantástico poder conversar con el genio, comentar estas
elucubraciones y discutir que sería más conveniente: parar o
continuar hasta el final y procurar ajustarnos?
Yo
sinceramente tampoco lo sé, pero si que ayuda bastante ver la
película “El último concierto”, del director debutante Yaron
Zilberman, que hace una fusión perfecta entre música y vida.
Con
un poder narrativo maravilloso, apadrinado por el genial Philip
Seymour Hoffman, entrelaza las características de una pieza musical
y los conflictos personales, que pueden, o no, arruinar relaciones
estables como el matrimonio o una amistad de veinticinco años.
Ver
esta película no es solo ver cine, es comprender la música, saber
hasta dónde puedes llegar en la vida y en tus sueños, ajustándote
permanentemente a ese órden tácito que existe en lo cotidiano, que
está siempre ahí aunque no podamos verlo.
A continuación el tráiler de la película y la pieza musical sobre la que está basada la misma.